学写对话必看的4部电影!

《海边的曼彻斯特》其实很容易被写成煽情狗血的家庭悲剧，但肯尼思·洛纳根选择用真实的笔触呈现故事，除了剧情没有大起大落以外，就连角色间的对话，都跟我们生活中常听到的差不多。不过，虽然台词看似平凡无奇，却能在不知不觉之间牢牢抓住观众的情绪，这种效果来自他对人情的细腻观察与理解，才能在不张扬中扣人心弦。

这里出现了一个有趣的悖论：虽然电影中的对话听起来很日常，但是事实上，现实生活的对话难以被书写，既冗长又迂回，甚至大部分是索然无味的；那么，要怎么搬上大银幕，成为一出引人入胜的戏剧？这就是肯尼思·洛纳根的功夫所在，他模仿了人们平常讲话的语气和用语，因此形塑角色及对话时能更贴近真实，同时也有充满情感的内涵。

肯尼思•洛纳根用了一种方法，让角色间的对话更显真实：那就是让他们同时讲话。在剧本的写作格式上，绝大部分都是一个角色讲完台词就换下一个讲，然而现实生活中，人们在对谈时常常同时开口，特别在讨论或争吵的时候，情绪一升高，互相打断及插嘴是很正常的。

这种创作对话的策略，最明显的就是某一幕在酒吧中，卡西·阿弗莱克饰演的李误会对面两名衬衫男子一直看他，进而发生冲突的场景。李上前问对方为什么盯着他看时，当右边的表示“先生，我们真的没有在看你”的同时，左边脾气较差的就直接骂人：“他妈的滚开——嘿，保罗，不需要跟这种混蛋道歉。”双方随即就打了起来。

这不是在片场所决定的演出方式，而是肯尼思•洛纳根在写剧本的时候就想好的。当有两个角色同时讲话，剧本就会分为两栏，同时呈现两的台词。如果你还有印象的话，《海边的曼彻斯特》的确常常出现两个角色同时发言的场景，因此整出剧本的确也常常分成两栏，不难窥见肯尼思•洛纳根在编剧时的缜密思维。

伍迪·艾伦的剧本一向以絮絮叨叨而又令人会心一笑的对话见长，不过在《午夜巴黎》中可不只如此，编剧们能够学习伍迪·艾伦如何适当地描绘历史人物、如何用对话烘托出电影中的巴黎意象，最重要的是，当“海明威”在给男主角吉尔写作建议时，整段谈话就像是给文字创作者上的一课。

“如果你要成为一名作家，就要坚信自己是最优秀的。”

一谈到写作，电影中的海明威便变得强势、甚至有点虚张声势。不过精益求精的确是身为创作者的准则，否则只是浪费自己及观众的时间。

“没有任何题材是差劲的，只要故事建立在真实之上，行文干净而率真，并且赞颂的是强压之下的勇气与从容。”

这的确是海明威本人说过的名言。虽然编剧不写散文，不过他们企图以电影形式创作故事，就像散文是以文学的形式创作而成，而这些故事都必须贴近真实。如果作者写了一出高概念剧本，却只是迷人而违背事实的话，故事便不会有任何深度。

《午夜巴黎》中出现许多一代文学家及艺术家，他们的形象鲜明，其轶事及人生哲学都藉由伍迪·艾伦的诠释，再度跃上银幕。电影中海明威的这番真知灼见，其实就像是伍迪·艾伦观察他的写作特色，再理直气壮地借由他的口，写下这段对话。 

《沉默的羔羊》创造出好莱坞最令人毛骨悚然的两位连环杀手——食人魔“汉尼拔”和“水牛比尔”。虽然水牛比尔才是片中被追缉的罪犯，不过编剧在汉尼拔短短十几分钟的戏份中，用对话就很形象地塑造出他多重而又深不可测的性格，再透过安东尼·霍普金斯超群的演技，让汉尼拔在影史中有着独树一格的地位。

汉尼拔虽然被关在如地牢般的精神病院，然而从外表与气质看来，他跟其他精神病患截然不同。虽然隐藏不住狡黠的邪气，但是他掌握的信息及善于分析的能力，在女主角克拉丽斯急欲寻求协助的情况下，竟然成为像年长智者的戏剧原型。

在汉尼拔与克拉丽斯最后的面对面谈话，完整呈现出这个角色的复杂特质：在体面的外表、聪明的脑袋下，才是早已扭曲的本性。于是，观众先看到的工于心计的心理医师、甚至是“循循善诱”的年长智者，最后才想起来他是让人惊骇的食人魔。

“你在找的那个男人做了什么？”

“他杀害女性。”

“不，那是次要的。他主要在做什么？他杀人是为了满足什么？”

“愤怒，社会认同与性别困惑。”

“不！贪图才是他的本性。那么我们如何开始贪图？试着回答吧。”

“不是的，我们只是……”

“不对。我们看见什么都起了贪念。你难道没感受到那些在你身上游移的眼光，克拉丽斯？你的眼睛也不是在寻找你要的东西吗？”

在最后一场“交换谈话”中，汉尼拔引导克拉丽斯找出水牛比尔的真相。他以心理医师在方式询问克拉丽斯，让她回忆起无法拯救待宰的羔羊，而夜夜惊梦的时光。汉尼拔的音调看似在进行一场诡异的疗程，，连结至克拉丽斯渴望解救出人质的心情。不过，汉尼拔也并非要让克拉丽斯陷入痛苦之中，最后反而以另类的父亲姿态，告诉她：“勇敢的克拉丽斯，等到羔羊不再尖叫时，你会让我知道的，对吧？”

《教父》之所以能在美国影史上屹立不摇，除了科波拉大师级的执导功力、马龙·白兰度重量级演出外，能够将家族斗争的主题在美国文化中烙下印记，还是基于剧本的精彩程度。《教父》的原著就已被视为通俗小说的杰作，在原作者马里奥•普佐及科波拉的齐心创作之下，打造出西西里移民、纽约家族的重磅历史。

除了主题已具备戏剧性以外，《教父》的剧本仅靠对话就能型塑出人物鲜明的性格，而且在不同场景的不同对话之间，都能紧扣着电影的主题。像《沉默的羔羊》的汉尼拔倾向前者的成功法则，《午夜巴黎》的怀旧之情则像后者；然而《教父》在不凿斧痕之间，两者皆备，且统整了整部电影的元素。

“我深信美国。美国创造了我的财富，我也以美国的方式孕育我女儿长大。我给她自由，但是教导她不能让家族蒙羞。”

在电影的开场几句话，一名意大利移民就揭示了《教父》的两大主旨：美国梦、家族。这位叫 Amerigo Bonasera 的人跟「教父」维托·唐·柯里昂并不相熟，但由于女儿受人欺辱、罪犯却获得缓刑消遥法外，便来陈述他的悲痛心情，请求教父帮他女儿报仇——而且还刚好挑上了教父女儿的婚礼日。

在介绍领导人出场时，不用彰显他的丰功伟业或庞大势力，而是让一个市井小民自动找他寻求正义，以一句“为什么你一开始先去找警察，不直接来找我？”，就能凸显他的超越法治的地位，同时，由于警察与执法机关的怠惰与不公，这种不信任感也是1920年代美国移民的共同心声。

另外，教父的地位根基“「阳刚”与“父权／家长制”。在女儿的婚礼上，维托的教子——知名歌手约翰尼·方丹，请求教父为他争取好莱坞新戏的角色，维托突然开口问他“你会花时间跟你的家人在一起吗？”

这个问题看似天外飞来一笔，当约翰尼说是的时候，维托回答：“很好。因为一个不顾家、不爱家的男性，是无法成为真男人的。”原本他要展现的是身为教父的气势与权力，不过在问了这句话后，同时就紧扣回“家族”的核心主题；接着，维托就说了出影史著名的台词，几乎也是这句台词奠定了教父的传奇——“我会给他一个无法拒绝的条件。”

本译文仅用于学习和交流，图片来自网络。